Lot Mariam Geronimo Cuevas
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Cada año, la industria del estilo intenta convencernos de que la moda es cultura. Pero este 2026 ocurrió algo más interesante: la moda dejó claro que también es una disputa política, simbólica y económica. Y aunque muchos espectadores siguen viendo la alfombra roja como un desfile de celebridades millonarias jugando a disfrazarse, lo cierto es que detrás de cada corsé escultórico, cada referencia artística y cada atuendo “incomprensible” existe una conversación sobre poder, clase, identidad y legitimidad cultural.
La temática de este año, “Fashion Is Art”, vinculada a la exposición “Costume Art” del Metropolitan Museum of Art, no fue inocente. El propio concepto buscaba colocar a la moda en el mismo nivel que las bellas artes, borrando la frontera histórica que durante siglos relegó el vestido al terreno de lo superficial o femenino, mientras la pintura, la escultura o la arquitectura eran consideradas “arte serio”.
Y ahí comienza el conflicto político.
Porque decidir qué es arte y qué no lo es siempre ha sido una decisión de poder. Los museos, las academias y las élites culturales históricamente determinaron qué expresiones merecían prestigio y cuáles eran consideradas artes menores. La moda, pese a mover miles de millones de dólares y definir imaginarios sociales enteros, continuó siendo vista durante décadas como frivolidad decorativa. La Met Gala 2026 no solo intentó cambiar esa narrativa; intentó institucionalizar la moda como un lenguaje artístico legítimo.
Pero también hay contradicción en ello. La misma industria que busca reconocimiento intelectual continúa siendo profundamente elitista. Mientras la gala rompió récords de audiencia y recaudación con más de 42 millones de dólares obtenidos para el Costume Institute y casi 1.7 mil millones de vistas globales en video, el espectáculo reafirmó cómo el arte contemporáneo se ha convertido también en mercancía visual para consumo digital masivo.
La paradoja es brutal: la moda quiere ser entendida como arte crítico, pero al mismo tiempo depende de algoritmos, patrocinadores, multimillonarios y viralidad.
Y quizá el símbolo más evidente de esa contradicción fue el papel de Jeff Bezos dentro de esta edición. El fundador de Amazon no solo apareció como invitado de lujo; junto a Lauren Sánchez fue uno de los principales patrocinadores de la gala. Ese dato transforma por completo la lectura política del evento. Porque mientras la Met Gala intentaba construir un discurso sobre creatividad, sensibilidad artística y legitimidad cultural, detrás del espectáculo aparecía el dinero de uno de los hombres más poderosos del capitalismo contemporáneo.
No es un detalle menor.
La presencia de Bezos confirmó cómo las élites tecnológicas ya no solo buscan dominar mercados o plataformas digitales; ahora también buscan controlar el relato cultural. Antes, los multimillonarios financiaban universidades, museos o fundaciones para construir prestigio histórico. Hoy financian espectáculos culturales globales porque entendieron que la cultura también es una forma de poder político.
Eso explica por qué varias críticas en redes sociales apuntaron a que la gala se sintió “menos artística” y más corporativa. En foros de Reddit, usuarios señalaron que el evento perdió parte de su exclusividad cultural para convertirse en un escaparate dominado por espectáculo mediático y presencia de grandes fortunas tecnológicas. Esa percepción no es menor: revela cómo incluso los espacios culturales de élite están siendo absorbidos por la lógica empresarial de las plataformas y el capitalismo digital.
La propia estética de algunos asistentes reflejó esa tensión. Hubo celebridades que entendieron la consigna y convirtieron el cuerpo en manifiesto artístico. Otras simplemente vistieron ropa cara. Porque no toda extravagancia es arte y no toda pieza costosa produce discurso.
Existe una crítica constante hacia quienes “no entendieron la temática”. Pero en realidad el problema no es solo estético; es conceptual. Muchos looks parecían producidos para Instagram más que para dialogar con el arte o cuestionar algo. El problema no era verse mal; era no decir nada.
Y decir algo hoy, desde la moda, es profundamente político.
La ropa nunca ha sido neutral. La historia lo demuestra constantemente. Las minifaldas en los años sesenta hablaron de liberación femenina; los trajes de los Black Panther Party construyeron una estética revolucionaria negra; el dandismo afrodescendiente resignificó la elegancia como resistencia racial. Vestirse siempre implica ocupar un lugar dentro de las jerarquías sociales.
Por eso resulta interesante que, apenas un año después de que la Met Gala abordara el dandismo negro como expresión política y racial, la edición 2026 apostara por legitimar la moda como arte universal. El cambio parece sutil, pero es ideológico: pasar de discutir identidad y raza a discutir institucionalización artística también revela hacia dónde se mueve la conversación cultural global.
Y quizá por eso algunos de los looks más impactantes fueron aquellos que literalmente parecían esculturas incómodas o armaduras contemporáneas. El caso de Kim Kardashian y su coraza escultórica inspirada en el arte fetichista de Allen Jones abrió una conversación interesante sobre cosificación, cuerpo femenino y reapropiación visual. Ya no era solo un vestido; era una pieza que discutía cómo el cuerpo femenino ha sido convertido históricamente en objeto artístico y comercial.
En ese sentido, la Met Gala funciona como un espejo incómodo del presente. Mientras el mundo enfrenta guerras, crisis climática, polarización y desigualdad, la élite cultural responde produciendo espectáculos donde el cuerpo vestido intenta justificar su relevancia intelectual. Y aunque eso puede parecer banal, en realidad evidencia algo más profundo: incluso el lujo necesita hoy construir discurso político para sobrevivir culturalmente.
Porque ya no basta con ser rico; ahora también hay que parecer conceptualmente relevante.
La moda entendió antes que muchas industrias que vivimos en una economía de símbolos. Lo que consumimos comunica ideología, clase, pertenencia y posicionamiento moral. Las marcas ya no venden únicamente ropa: venden narrativas identitarias. Y la Met Gala es, quizá, la máxima pasarela de esa batalla simbólica global.
Y ahí es donde la participación de Bezos se vuelve todavía más significativa. La élite tecnológica comprendió que controlar plataformas ya no es suficiente; ahora también necesita apropiarse del arte, la moda y la cultura para transformar riqueza económica en legitimidad moral. El capitalismo digital ya no quiere verse únicamente eficiente: quiere verse sofisticado, sensible y artístico.
Por eso reducir el evento a “quién iba mejor vestido” es quedarse en la superficie. Lo verdaderamente interesante es preguntarse qué discursos intentó legitimar esta edición y cuáles quedaron fuera. Quién tiene derecho a definir qué es arte. Quién convierte su cuerpo en capital cultural. Y quién puede pagar el privilegio de ser considerado vanguardia.
La Met Gala 2026 confirmó algo que incomoda a muchos: la moda nunca fue superficial. Solo aprendimos a subestimar aquello que también tiene el poder de construir imaginarios políticos.
Por eso, presenciar el primer lunes de cada mayo es también observar la expresión política del momento. Ver qué cuerpos representan el poder cultural, qué casas de moda visten determinadas posturas ideológicas y qué élites económicas financian el relato visual de nuestra época.